chanson

Bonjour les amis.

"Por qué cantamos" (pourquoi nous chantons) est un poème emblématique de l'auteur uruguayen Mario Benedetti, souvent chanté par des artistes engagés comme Fausta ou Osvaldo Torres.

Benedetti a écrit ce texte durant l'exil imposé par la dictature uruguayenne (1973-1985). Il reflète la douleur d'une époque sombre.

Le poème répond à ceux qui se demandent comment il est possible de chanter ou de créer alors que le pays souffre et que les proches sont emprisonnés ou exilés. Chanter devient un acte de résistance, une façon de garder la mémoire vivante, de refuser la résignation et de croire en des lendemains meilleurs.

Avant de passer à la chanson vous trouverez ci-dessous le poème original, suivi d'une traduction française, ainsi que d'une vidéo dans laquelle Mario Benedetti en personne lit son poème.

Por qué cantamos
Si cada hora viene con su muerte
Si el tiempo es una cueva de ladrones
Los aires ya no son los buenos aires
La vida es nada más que un blanco móvil
Usted preguntará por qué cantamos
Si nuestros bravos quedan sin abrazo
La patria se nos muere de tristeza
Y el corazón del hombre se hace añicos
Antes aún que explote la vergüenza
Usted preguntará por qué cantamos
Si estamos lejos como un horizonte
Si allá quedaron árboles y cielo
Si cada noche es siempre alguna ausencia
Y cada despertar un desencuentro
Usted preguntará por qué cantamos
Cantamos porque el río está sonando
Y cuando suena el río, suena el río
Cantamos porque el cruel no tiene nombre
Y en cambio tiene nombre su destino
Cantamos por el niño y porque todo
Y porque algún futuro y porque el pueblo
Cantamos porque los sobrevivientes
Y nuestros muertos quieren que cantemos
Cantamos porque el grito no es bastante
Y no es bastante el llanto ni la bronca
Cantamos porque creemos en la gente
Y porque venceremos la derrota
Cantamos porque el sol nos reconoce
Y porque el campo huele a primavera
Y porque en este tallo, en aquel fruto
Cada pregunta tiene su respuesta
Cantamos porque llueve sobre el surco
Y somos militantes de la vida
Y porque no podemos ni queremos
Dejar que la canción se haga ceniza

Pourquoi nous chantons

Si chaque heure vient avec sa mort
si le temps est une grotte de voleurs
les airs ne sont plus les bons airs
la vie n'est rien de plus qu'un blanc mobile
vous demanderez pourquoi nous chantons
si nos braves sont laissés sans étreinte
la patrie nous meurt de tristesse
et le coeur de l'homme se brise en mille morceaux
avant même que la honte n'explose
vous demanderez pourquoi nous chantons
si nous sommes loin comme un horizon
s'il y avait là-bas des arbres et du ciel
si chaque nuit est toujours une absence
et chaque réveil une discorde
vous demanderez pourquoi nous chantons
nous chantons parce que la rivière est en train de sonner
et quand la rivière sonne / la rivière sonne
nous chantons parce que le cruel n'a pas de nom
et au contraire son destin a un nom
nous chantons pour l'enfant et pour tout
et parce qu'un certain futur et parce que le peuple
nous chantons parce que les survivants
et nos morts veulent que nous chantions
nous chantons parce que le cri ne suffit pas
et parce que ne sont pas assez les pleurs ou la colère
nous chantons parce que nous croyons aux gens
et parce que nous vaincrons la défaite
nous chantons parce que le soleil nous reconnaît
et parce que la campagne sent le printemps
et parce que dans cette tige, dans ce fruit
chaque question a sa réponse
nous chantons parce qu'il pleut sur le sillon
et nous sommes des militants de la vie
et parce que nous ne pouvons pas et ne voulons pas
laisser la chanson se transformer en cendres.

https://www.youtube.com/watch?v=qaK0Q6M13lU

Le texte est construit par une juxtaposition constante entre l'horreur du réel et les raisons de continuer.
À plusieurs reprises, Benedetti répète la phrase « vous demanderez pourquoi nous chantons ». Ce « vous » représente un observateur extérieur ou sceptique qui ne comprend pas comment il est possible d'éprouver de la joie ou une expression artistique au milieu de la douleur, de la mort, de la censure et de l'exil ( « si nous sommes aussi loin qu'un horizon » , « notre patrie se meurt de tristesse » ). Le chant apparaît ici comme la réponse collective qui permet de réaffimer (au delà des pleurs , de la colère, de la souffrance et des cris) la foi en l'avenir et dans le peuple.

Passons à la musique maintenant. C'est le compositeur argentin Alberto Favero qui a mis le poème en musique et qui a permis à la chanson de se convertir en un succès immédiat. Il existe beaucoup de versions et j'ai choisi pour vous l'interprétation très sensible de Sandra Mihanovich. 

https://www.youtube.com/watch?v=eulRv_q393w

Cet été mon groupe choral polyphonique interprétera la composition d'Alberto Favero sur un arrangement choral de Liliana Cangiano, le même arrangement vocal qu'on entend sur les 2 vidéos ci-dessous.

https://www.youtube.com/watch?v=YaIbeBD17sI

https://www.youtube.com/watch?v=JiYLFUSUT8w

Il est à noter que l'interprétation chorale est plus que pertinente pour une chanson militante qui est une forme d'hymne et d'appel collectif à la résistance.

Cette chanson n'est pas très connue en Europe (sauf en Espagne bien sûr). Moi-même je l'ai découverte seulement la semaine dernière mais vous pouvez imaginer, cher lecteur, qu'elle fait complètement partie de l'imaginaire collectif sud-américain. Cette chanson représente pour eux toute une époque de luttes dans les années 70. C'est une chanson qui leur parle et qui est indissociable de leur histoire.

Bonjour les amis.

Brel est sans aucun doute le chanteur francophone qui m'a le plus marqué dès mon très jeune âge. 

« La Chanson des vieux amants » est un chef-d’œuvre qui dépeint un amour mûr et durable, transcendant la passion des débuts pour une union fondée sur la compréhension, le pardon et le dépassement des épreuves. Elle dépeint une relation qui a survécu aux tempêtes et aux malentendus, prouvant la force du lien sur le long terme. Brel n'idéalise pas le couple ; il mentionne les "orages" et les moments difficiles, reconnaissant que l'amour est aussi un combat. La chanson évoque la transition d'une passion fougueuse vers un amour mature, fait de "doux", de "tendre" et de "merveilleux".

Cette chanson a été reprise par un grand nombre d'artistes, et aussi dans plusieurs langues.

C'est toujours délicat de reprendre un chef-d'oeuvre. On ne retouche pas la Mona Lisa.

On ne la retouche pas mais on peut s'en inspirer, et proposer des variations, voire en faire des détournements.

C'est tout à fait par hasard que j'ai entendu sur le poste radio de ma voiture une version épurée de la chanson des vieux amants, accompagnée d'une simple guitare classique, avec la voix de la soprano franco-suisse Marina Viotti interprétant la chanson de Brel avec la même technique lyrique que celle des chanteurs d'Opéra, comme on chanterait un lied de Schubert ou de Mendelssohn.

C'est une version intimiste et quand Marina Viotti prononce " Mon doux, mon tendre, mon merveilleux amour" le miracle se produit et l'émotion me saisit.

Ci-dessous elle reprend le thème mais accompagnée au piano. L'émotion est toujours bien là.

Bravo Marina et merci !

PS: Hors-sujet.

Je profite de mon court billet pour rendre hommage à Carol Kaye et lui rendre justice.

Mais qui est Carol Kaye ?
Elle a joué de la basse sur 10 000 chansons, dont le titre le plus diffusé du XXe siècle. Elle était payée 55 dollars par session. Son nom n'a jamais figuré sur les albums. Entre 1957 et 1973, Carol Kaye a participé à environ 10 000 sessions d'enregistrement. Cette ligne de basse descendante qui anime « Wouldn't It Be Nice » des Beach Boys ? Carol Kaye. Le rythme entraînant de « These Boots Are Made for Walkin' » ? Carol Kaye. L'intro à la guitare acoustique de « La Bamba » ? Carol Kaye. Le thème iconique de Mission : Impossible ? Carol Kaye.
Elle a inventé des techniques sur le champ, par pure nécessité. Quand le son de la basse était trop brouillé pour la radio AM, elle a collé du feutre sur les cordes et utilisé un médiator dur à la place de ses doigts. Le son perçait les parasites comme une lame. C'est devenu la signature sonore qui a défini la pop des années 60.
Des bassistes ont passé des années, des décennies, à essayer de percer le secret du matériel des Beach Boys pour obtenir ce son. Ils étudiaient les mauvaises personnes. Ils auraient dû étudier Carol.

Bonjour les amis et bon 1er Mai à vous tous.

Pour célébrer la fête du Travail j'ai décidé cette année de vous envoyer non pas un brin de muguet traditionnel mais un brin de la plante de riz et de vous parler de  LA LEGA (et peut-être de la faire connaître à certains d'entre vous).

LA LEGA est une chanson féministe de lutte italienne originaire de la région de Padoue ; elle était chantée par les mondine, les repiqueuses de riz de la plaine du Pô. Elle est le symbole des révoltes des ouvriers agricoles contre les patrons à la fin du XIXe siècle, au moment où ont commencé à se fonder les ligues socialistes.

On peut notamment l'entendre dans le film 1900 de Bernardo Bertolucci quand les paysannes manifestent contre l'expulsion des fermiers qui n'ont pas pu régler leur loyer aux riches propriétaires.

Vous trouverez sur le lien ci-dessous les paroles originales ainsi que leur traduction en français.

https://fr.wikipedia.org/wiki/La_lega

Passons à l'écoute maintenant. A noter le couplet plein d'entrain avec son très sonore "A oilì oilì oilà e la lega la crescerà" !

Et puis il y a une belle version à capella et à plusieurs voix que je vous invite à écouter. Je n'ai pas pu l'incruster dans mon billet mais vous pourrez y accéder en cliquant sur le lien ci-dessous.

https://www.youtube.com/watch?v=5wFdLEqPk-k&list=RD5wFdLEqPk-k&start_radio=1

Rien à dire de plus, si ce n'est que les conditions de travail dans le milieu agricole restent particulièrement dures, notamment dans le sud de l'Europe.

Sur le pourtour méditerranéen les rémunérations sont souvent faibles (notamment pour les migrants, de l'ordre de 35 à 40 euros par jour, c'est à dire souvent en dessous du smic) et les conditions de travail pénibles pour de nombreux travailleurs immigrés fréquemment logés dans des conditions d'insalubrité (parfois sans accès à l'eau potable). Ajoutons-y l'exposition à des pesticides toxiques pour la santé et le réchauffement climatique avec des effets terribles sur le corps comme la déshydratation, les coups de chaleurs et des problèmes rénaux. 

Bref, LA LEGA est une chanson qui reste malheureusement d'actualité car la situation de nombreux ouvriers agricoles ne s'est guère améliorée aujourd'hui.

PS: J'ai oublié de signaler au passage que je vis dans une région très connue pour la culture du riz, ce riz valencien qu'on retrouve dans la fameuse paella qui est elle-même un plat non pas espagnol mais typiquement valencien. Par ailleurs il y a une rizière (et donc une zone humide) à 10 km de chez moi à Pego dans laquelle est cultivée un riz de grande qualité appelé "arroz bomba".

PS nº 2. Dans la chanson LA LEGA l'expression " crumiri col padrone" a été traduite par " les jaunes avec le patron".

Le terme « jaune » dans le contexte social et historique français désigne des personnes qui refusent de faire grève, souvent considérées comme des briseurs de grève. Historiquement, les « syndicats jaunes » sont nés à la fin du XIXe siècle en opposition aux syndicats traditionnels (dits « rouges »), proches des mouvements socialistes ou communistes. Ils prônaient la collaboration avec le patronat plutôt que la lutte des classes.

Donc l'expression n'a rien à voir avec les travailleurs asiatiques ! ouf !

En Espagne pour les briseurs de grève on utilise le terme ESQUIROL (qui veut dire "écureuil" en catalan). Pourquoi ? Parce qu'en Catalogne, à la fin du XIXe siècle des ouvriers de la ville de L'Esquirol sont allés travailler dans une usine en grève à Manlleu, brisant ainsi l'unité des travailleurs locaux.

Bonjour les amis.

LE TESTAMENT D'AMELIA est l'une des plus anciennes chansons catalanes qui ait été conservée. On en a connaissance depuis le XIVe siècle mais elle pourrait être bien plus ancienne et remonter au XII ème. Il semble que l'auteure de cette pièce musicale soit la fille de Ramon Berenguer III (comte de Catalogne, Provence et Sardaigne) et de Dolça de Provença. Il existe de nombreuses versions de cette romance avec une musique et des paroles très similaires qui racontent toujours la même histoire avec, toutefois, de petites variantes: parfois la princesse est la fille d'un puissant noble catalan, parfois c'est la fille d'un Roi de France.

Le thème de la chanson est particulèrement triste et cruel. Une princesse a été empoisonnée par sa propre mère par jalousie car celle-ci entretenait une relation amoureuse avec le mari de sa fille. Le poison était probablement caché dans un bouquet d'oeillets.

Voici les paroles en catalan accompagnées d'une traduction française.

L’Amèlia està malalta, Amélia est malade,
la filla del bon rei. la fille du bon roi.
Dames la van a veure. Des Dames vont la voir.
Comtes i noble gent. Des comtes et des nobles.
 
Ai, que el meu cor se’m nua Oh, mon cœur se serre
com un pom de clavells. comme un bouquet d'œillets.
 
Filla, la meva filla, Ma fille, ma fille,
de quin mal vos doleu? de quel mal te plains-tu ?
El mal que jo tinc, mare, Le mal dont je souffre, mère,
bé prou que me’l sabeu. vous le connaissez mieux que quiconque.

Ai, que el meu cor se’m nua Oh, mon cœur se serre
com un pom de clavells. comme un bouquet d'œillets.

Filla, la meva filla, Ma fille, ma fille,
d’això us confessareu. vous expliquerez ceci
Quan sereu confessada Quand vous aurez été confessée,
el testament fareu. Quand vous ferez votre testament.

Ai, que el meu cor se’m nua Oh, mon cœur se serre
com un pom de clavells. comme un bouquet d'œillets.

Un castell deixo als pobres Je lègue un château aux pauvres
perquè resin a Déu. afin qu'ils puissent prier Dieu.
Quatre al meu germà en Carles. Quatre à mon frère Charles.
Dos a la Mare de Déu. Deux à la Vierge Marie.

Ai, que el meu cor se’m nua Oh, mon cœur se serre
com un pom de clavells. comme un bouquet d'œillets.

I a vós, la meva mare, Et à vous, ma mère,
us deixo el marit meu je vous laisse mon mari
perquè el tingueu en cambra afin que vous le gardiez dans votre lit
com ja fa molt temps que feu. comme vous le faites depuis longtemps.

Ai, que el meu cor se’m nua Oh, mon cœur se serre
com un pom de clavells. comme un bouquet d'œillets.

Immense tristesse, mélancolie, amour perdu, trahison, deuil...

Cette chanson traditionnelle chantée depuis des siècles est assez édifiante. « El testament d'Amèlia », dont la mélodie est simple et belle exprime davantage la mélancolie et la tristesse que le désir d'une justice qui soit rendue à l'infortunée princesse au bien cruel destin.

Voici ci-dessous un enregistrement de la version chorale d'Enric Morera (avec de beaux décalages entre voix dans la 2 ème partie), une version qui, par ailleurs, fait partie du répertoire de mon groupe polyphonique.

Et voici également une très belle interprétation instrumentale à la guitare.

Bonjour les amis.

Le semaine dernière je vous parlais ICI de Leonard Cohen et aussi d'une chanson de Murray Head que le public francophone n'avait pas bien comprise. 

Aujourd'hui je vais compléter avec une chanson anglaise que le public anglophone interprète souvent de manière un peu erronée, ce qui est plus singulier.

HALLELUJAH est une  chanson de Leonard Cohen dont beaucoup de personnes pensent qu'elle est profondément religieuse alors que ce n'est pas tout à fait le cas.

Commençons par le titre Hallelujah (Alléluia) : mot hébraïque signifiant "Louez Jéhovah" (un des noms de Dieu) il est prononcé pour exprimer l'allégresse des fidèles (Halle lu : louez le; Jah : Jehovah).

Mais avant d'entrer dans le détail du texte je vous mets d'abord en lien les paroles originales en anglais, suivies d'une traduction française (de Leonard Cohen en personne) ainsi que 2 vidéos.

https://genius.com/Leonard-cohen-hallelujah-lyrics

https://www.paroles.net/leonard-cohen/paroles-hallelujah-traduction

Mon ami L'Hatem m'a envoyé une vidéo que je joins ci-dessous et qui réexplique le sens que Cohen voulait donner à cette chanson.

Les explications sont en espagnol, donc j'ai traduit ensuite moi-même l'essentiel du texte de la vidéo en français au cas où vous ne le comprendriez pas.

Voici une traduction approximative de ce que dit le locuteur:

"Et si je vous dis que Hallelujah n'est pas une chanson sur Dieu ? Cohen l'écrivit durant des années, pas des jours, des années. Plus de 80 vers et des dizaines d'autres qui ont été écartés, jusqu'à garder une version qui n'explique pas mais qui insinue. L'industrie discographique ne le comprit pas de cette manière car elle cherchait la foi et Cohen parlait d'autre chose, de LA CHUTE.

 Now I've heard there was a secret chord (J'ai entendu dire qu'il y avait un accord secret).

C'est intime. C'est l'idée qu'il existe une forme parfaite d'aimer mais personne ne sait comment la rencontrer.

Et alors apparaît le premier symbole : David, roi, puissance, foi, mais aussi désir.

You saw her bathing on the roof (Tu l'as vue se baigner sur le toit)

C'est l'histoire de David et Bethsabée quand le désir rompt la morale.

She tied youTo a kitchen chair  (Elle t'a attaché à une chaise de cuisine)

Ce n'est pas littéral, c'est une reddition. C'est quand l'amour n'est plus un choix mais se convertit en dévouement forcé, émotionnel.

Maintenant arrive le second symbole avec Samson.

She broke your throne, and she cut your hair (Elle a brisé ton trône, et t'a coupé les cheveux)

Samson perd sa force non par faiblesse mais pour avoir confiance, pour aimer.

Et ceci est la clé. Hallelujah ne parle pas de la religion mais utilise la religion comme une métaphore pour parler des relations, de ce qui se produit quand vous aimez, quand vous désirez, quand vous perdez le contrôle.

Et nous arrivons au vers le plus important.

Love is not a victory march ( l'amour n'est pas une marche victorieuse).

It's a cold end it's a broken halleluyah (C’est un froid et c’est un meurtri Alléluia)

Car la chanson ne parle pas d'un amour idéal mais de cycle, de désir et de connexion., rupture et acceptation.

Allelujah n'est pas allégresse mais résignation: les choses ne se sont pas passées comme je l'espérais mais je l'accepte et ça convertit la chanson en quelque chose de plus humain...il n'est pas nécessaire de croire en Dieu pour comprendre la chanson mais juste simplement d'avoir aimé et d'avoir perdu.

Un dernier détail. La chanson fut rejetée par la compagnie discographique qui ne croyait pas en elle.

Voici également un très bon podcast de France Musique qui précise que Leonard Cohen s'adresse dès le début à une femme qu’il a connue, qu’il a aimée et qu’il ne voit plus.

C'est une chanson triste et joyeuse, sacrée et profane. Hallelujah est un hymne étrange et ambivalent, une ode à la musique et à ses pouvoirs mystérieux.

Voici enfin, et pour me résumer, une synthèse que m'a envoyée un très bon ami de ma chorale.

Hallelujah » de Leonard Cohen, c'est un hymne complexe qui mêle des références bibliques (David, Samson) à des thèmes terrestres tels que l'amour, le sexe, le désir et la souffrance existentielle. Plus qu'un chant religieux, c'est une célébration de la vie malgré ses imperfections (« alléluia brisé »), acceptant le chaos et la fragilité humaine comme faisant partie intégrante d'une véritable expérience spirituelle.

Signification d'Alléluia : Cohen utilise le terme hébreu (louange à Dieu) non pas comme une prière traditionnelle, mais comme un cri de survie et d'acceptation après un échec amoureux ou émotionnel.
La chanson évoque l’histoire de David et Bethsabée (désir/péché) et de Samson et Dalila (trahison/fragilité), explorant la tension entre la foi sacrée et la passion profane.
« Alléluia brisé » : Les paroles soulignent que les alléluia triomphants ne sont pas les seuls valables ; même un alléluia empli de doute, froid et « brisé » est une expression honnête et sacrée de l’expérience humaine.
Évolution : Bien que sortie en 1984 et initialement rejetée par sa maison de disques, il lui a fallu des années pour la finaliser, avec des dizaines de couplets, pour finalement devenir un hymne universel d'introspection et de rédemption.
 

Je terminerai en vous disant que votre serviteur a eu plusieurs fois l'occasion de chanter ALLELUJAH avec sa chorale, et notamment lors d'un mariage. Je ne suis pas sûr que les époux qui nous avaient expréssement demandé cette chanson avaient saisi toute cette souffrance dont parle Cohen dans son texte.

Quoiqu'il en soit c'est un énorme plaisir pour un choriste de chanter ça dans une église. Ça s'interprète comme un gospel. On se laisse aller avec ferveur, en étant emplis d'un sentiment de plénitude, d'acceptation et de paix avec soi-même.

Voici une de nos interprétations datant de 2018.

Bonjour les amis.

Hier c'était l'anniversaire de Jacques Brel qui est né le 8 avril 1929.

Cet immense artiste m'a profondément influencé dès ma petite enfance, dès que j'ai été en âge de comprendre.

Il a été, entre autres, celui qui a le mieux chanté ma terre natale avec le PLAT PAYS. 

Pour lui rendre hommage aujourd'hui j'ai choisi L'HOMME DE LA MANCHA qui est tiré de la comédie musicale éponyme.

Don Quichotte est un personnage complexe, archétype de l'idéaliste fou et généreux, qui préfère ses rêves à la réalité. Altruiste et courageux, il se pose en redresseur de torts, luttant contre la médiocrité, ce qui en fait un héros mélancolique, à la fois comique et tragique, luttant pour des causes perdues.

Don Quichotte est à la fois idéaliste, rêveur, courageux, déterminé, noble, fou, généreux, altruiste, inadapté et marginal.

On retrouve tous ces traits de caractère flamboyants dans la carrière mais aussi dans la vie du Grand Jacques.

A tel point que Brel, en rendant hommage au héros de Cervantès, trouvait également en lui son meilleur porte-parole artistique et philosophique.

Je vous mets en lien 3 vidéos. La première est un enregistrement audio de la chanson. Dans la 2 ème on peut apprécier la mise en scène, le talent de comédien de Brel et aussi de Dario Moreno en Sancho Panza. La 3 ème est un documentaire sur la comédie musicale dans lequel Brel souligne tous les thèmes du Quichotte qui lui sont chers et qui confèrent à cette oeuvre une incroyable modernité.

Lien d'intérêt qui explique la genèse de la comédie musicale et l'importance qu'elle a eue dans la vie de Brel.

Bonjour les amis.

J'ai été autant écroulé de rire qu' Anne-Elisabeth Lemoine sur le plateau de C A VOUS en entendant Murray Head expliquer que son mégatube  SAY IT AIN'T SO JOE (datant de 1974) n'avait pas du tout été compris par le public français qui l'avait reçue comme une chanson d'amour très romantique alors qu'il s'agissait en fait d'une chanson politique et assez tragique.

Voici ci-dessous un extrait de l'émission, assez hilarant.

Alors, pour rectifier le tir je vous mets les paroles originales, avec une traduction française. Mais il vous faut également lire à la fin du lien les différentes interprétations politiques des paroles de Murray Head, dont une qui retient mon attention qui est l'affaire Watergate.

https://www.lacoccinelle.net/244294-murray-head-say-it-ain-t-so-joe.html

Passons maintenant à l'écoute avec cette version remastérisée.

Je n'ai rien à ajouter à cette magnifique chanson dont le thème est aussi pour moi celui de la perte de l'innocence si ce n'est que le passage dans lequel Murray Head chante "Dis-moi que ce n'est pas vrai, Joe, je t'en prie dis-moi que ce n'est pas vrai " reste éternel et s'applique aujourd'hui parfaitement à plein de dirigeants populistes comme Donald Trump. Tous les jours je l'entends dire des mensonges, des absurdités et aussi des obscénités comme la semaine dernière quand il a fait rire tout un parterre de 2000 personnes en expliquant que c'était plus rigolo de couler les navires iraniens que de s'en saisir.

PS: J'en profite aussi pour vous raconter que, adolescent, le rital que je suis ne comprenait pas que le peuple italien ait eu de l'engouement pour Mussolini avec ses attitudes grotesques et ses mimiques clownesques dans ses meetings. Je me disais: " Comment les gens ont-ils pu adhérer à ça ? ".

Et bien aujourd'hui, malgré internet, malgré l'énorme flot d'informations dont nous disposons, ça continue encore et encore avec Trump, Bolsonaro, Milei. Orban, etc...

Bonjour les amis.

Leonard Cohen disait, avec un petit sourire en coin, que ses chansons étaient un peu comme les voitures de la marque Volvo et qu'elles pouvaient durer une bonne vingtaine d'années, en sous-entendant par là (et avec une certaine modestie) qu'il ne se faisait pas trop d'illusions sur sa postérité artistique.

La chanson dont je vous parle aujourd'hui date de 1995. Elle a donc passé le cap d'une bonne Volvo et je la réécoute aujourd'hui toujours avec le même plaisir. Il s'agit de ANOTHER CUP OF COFFE du groupe Mike & The Mechanics.

Mike Rutherford a expliqué que la chanson est née de la simple phrase "She pours herself another cup of coffee" (Elle se sert une autre tasse de café). Il a souligné l'efficacité d'utiliser des éléments du quotidien pour créer une imagerie forte et mélancolique.

La chanson décrit une femme dont le partenaire est parti, la laissant seule dans la maison qu'ils partageaient.
Se servir "une autre tasse de café" symbolise la répétition d'actions banales pour combler le vide émotionnel et maintenir une apparence de normalité malgré la détresse.
Les paroles évoquent la difficulté de regarder en arrière lorsque les souvenirs deviennent douloureux, notamment en mentionnant les espaces vides sur les murs laissés par des photos retirées.

Voici le texte original en anglais avec sa traduction française.

https://fr.muztext.com/lyrics/mike-the-mechanics-another-cup-of-coffee

Dans le clip mis en lien ci-dessous, on voit clairement une personne dont la personnalité était enfouie sous le poids du quotidien, et était prisonnière d'une relation stérile, d'une routine insupportablement banale, une personne qui se réfugie dans le monde plus séduisant de son imagination, où elle peut exprimer sa colère et ses frustrations. Finalement, c'est une descente aux enfers, symbolisée par la tasse qui tourbillonne, comme un tourbillon de folie qui l'engloutit.

Le morceau qui repose sur une base de boîte à rythmes complétée par des guitares acoustiques et électriques, ainsi que des nappes de synthétiseurs, mêle des textures synthétiques et acoustiques.

La chanson est portée par la voix soul et chaleureuse de Paul Carrack et bénéficie de chœurs riches, typiques du groupe formé par le bassiste Mike Rutherford.

Le morceau est plein d'énergie, soutenu par une pulsion lancinante qui balance sacrément bien, avec en prime de belles ruptures de rythmes quand Paul Carrack s'exclame "Where are your friends ? Where are your children ? ".

Au final, et alors que le texte est un peu déprimant, il se dégage une sensation d'énergie et d'optimisme.

La vie n'est pas toujours marrante, certes, mais ne nous laissons pas abattre !

Le café symbolise ici une forme de motivation ou d'énergie nécessaire pour continuer à avancer malgré la tristesse de la séparation.

PS: Pour la petite histoire. Ce matin j'avais fait mes courses au supermarché pour passer le week-end pascal. Une fois rentré chez moi je me suis rendu compte que j'avais oublié d'acheter le café. Un rital comme moi ne peut pas survivre sans sa marque préférée de café. Cette après-midi je suis donc reparti au supermarché pour aller acheter le café et j'entends sur la radio de ma bagnole la chanson de Mike and the Mechanics. C'était un signe du ciel. Je n'avais jamais fait de billet sur cette chanson ! C'est maintenant chose faite !...😃

Bonjour les amis.

Fin Février je vous avais parlé ICI de VANDE MATARAM une chanson de l'Inde que nous allons interpréter avec notre groupe choral grâce à Abhi, un ténor qui fait partie de notre choeur et qui est originaire de cette région du monde.

Nous allons adjoindre à notre prochain programme de printemps une deuxième chanson en hindi intitulée ILAHI, une chanson qui n'a rien à voir avec la précédente et qui est extraite d'un film à grand succès de  Bollywood ( anciennement dénommé cinéma de Bombay) dont le titre est  Yeh Jawaani Hai Deewani (2013).

Quand on parle d'énorme succès dans un pays qui compte plus d'1 milliard 460 millons d'habitants ça veut dire que ça touche pas mal de monde !

La chanson "Ilahi", est largement considérée comme un hymne à la liberté et à la soif d'aventure. Interprétée principalement par Arijit Singh, ses paroles ont été écrites par Amitabh Bhattacharya.

Les paroles décrivent l'état d'esprit de Bunny (le protagoniste joué par Ranbir Kapoor), un homme dont le seul rêve est de parcourir le monde. La chanson exprime un désir profond de ne pas être attaché à un lieu ou à une routine. Le mot "Ilahi" signifie littéralement "Divin" ou se rapporte à Dieu. Dans le contexte de la chanson, il s'agit d'une invocation ou d'une expression d'extase :
Le refrain "Ilahi mera jee aaye aaye" peut se traduire par "Ô Divin, mon cœur est comblé" ou "Mon âme s'épanouit", illustrant la joie pure ressentie face à la liberté.

Cette chanson issue de l'industrie commerciale indienne vous est probablement inconnue  tout comme elle l'était pour moi il y a encore une semaine.

Je vous mets ci-dessous les paroles avec leur traduction française (très approximative) suivies de la vidéo.

Shaamein Malang Si
Les soirées sont frénétiques
Raatein Surang Si
Les nuits sont comme un labyrinthe
Baaghi Udaan Pe Hi Na Jaane Kyun
Sur les ailes du vent, je ne sais pas pourquoi
Ilahi Mera Jee Aaye Aaye (x2)
Ô Divin, mon coeur est comblé !
Na Na Na Na Na Na... (x4)
Kal Pe Sawaal Hai, Jeena Filhaal Hai
L'avenir est incertain, vivons le moment présent
Khanabadoshiyon Pe Hi Jaane Kyun
Je ne sais pas pourquoi les désirs de mon coeur
Ilahi Mera Jee Aaye Aaye (x2)
Ô Divin, mon coeur est comblé !
Na Na Na Na Na Na... (x4)
Mera Falsafa, Kandhe Pe Mera
Sur mes épaules repose ma philosophie de la vie
Basta Chala Main Jahaan, Le Chala Mujhe Rastaa
Je suis allé, là oů le chemin m'a conduit
Boondon Pe Nahin, Gehre Samandar Pe
Non sous des gouttes de pluie, mais dans des océans profonds
Ooo... O... O...
Ilahi Mera Jee Aaye Aaye (x2)
Ô Divin, mon coeur est comblé !
Shaamein Malang Si
Les soirées sont frénétiques
Raatein Surang Si
Les nuits sont comme un labyrinthe
Baaghi Udaan Pe Hi Na Jaane Kyun
Sur les ailes du vent, je ne sais pas pourquoi
Ilahi Mera Jee Aaye Aaye (x2)
Ô Divin, mon coeur est comblé !

Comme vous pouvez l'entendre sur la vidéo cette chanson est pleine d'optimisme et de joie de vivre. Par les temps qui courent ça fait du bien.

Les choeurs ont une grande importance dans l'enregistrement original. Abhi ( qui est aussi musicien) s'est chargé des arrangements vocaux à 4 voix (sopranos-altos-ténors-basses). Il corrige également notre prononciation et c'est lui qui assurera la partie vocale du soliste. Il a une voix très veloutée et sait réaliser à la perfection les inflexions sonores typiques et envoûtantes de la musique indienne.

On est finalement en train de vivre une étonnante mini-aventure musicale très originale qui aurait été complètement hors de notre portée sans le coaching d'Abhi. On va devenir probablement le seul groupe choral de l'Espagne à interpréter des chants venus de l'Inde et c'est une expérience vraiment très excitante.

Liens d'intérêt:

- au sujet du film dont est tiré la chanson ILAHI:

https://fr.wikipedia.org/wiki/Yeh_Jawaani_Hai_Deewani

- au sujet de Bollywood

https://fr.wikipedia.org/wiki/Cin%C3%A9ma_hindi

PS: Hors-sujet.

Les FALLAS de Valencia battent leur plein en ce moment dans ma région. Une de ces FALLAS dit "NON À LA GUERRE" . C'est sur ce lien facebook ci-dessous, avec une animation vidéo de l'IA qui utilise cette FALLA .

https://www.facebook.com/reel/1476229674211751

Bonjour les amis.

Suite à un article écrit en Janvier 2026 sur le groupe espagnol EL CANTO DEL LOCO (le chant du fou) et qui est  ICI , je reviens sur ce groupe avec VOLVERÁ ( il reviendra), une autre de leurs chansons qui date de 2005. Le morceau n'a pas pris une ride.

Comme d'hab' je vous mets les paroles originales espagnoles traduites en français suivies de la vidéo. C'est du Rock and Roll alors les paroles martèlent une idée simple et ici c'est l'espoir que l'amour perdu revienne. 

Dans les chansons Rock and Roll ce qui prime c'est le rythme, la pulsion et la musique. Les textes tournent souvent autour d'une idée simple. Par exemple le I CAN'T GET NO SATISFACTION des Stones exprime de forme récurrente la constante frustration de Mick Jagger dans laquelle s'est reconnue toute la jeunesse de son époque. Le titre sonnait comme un slogan universel.

Avec VOLVERÁ, on retrouve cet esprit de base mais il y a aussi aussi les riffs de la guitare de David Otero qui ne sont pas sans rappeler ceux de Keith Richards. Des riffs rugueux bien plaqués de manière sèche et bien balancée...à la manière des STONES.

A 1 minute 13 secondes arrive le thème central de VOLVERÁ avec son refrain qui est accrocheur et que j'aime bien.

La chanson parle du désir de retour d'un amour perdu, mais moi, en ces temps obscurs et anxiogènes que nous vivons, quand j'écoute ce morceau j'entends dans le slogan  IL REVIENDRA  comme l'espérance de retrouver le temps de la simple joie de vivre, le temps de la confiance dans le jour de demain.

Bon mardi à vous !

PS: Le rock c'est souvent et surtout dans ma bagnole que je l'écoute.

Et il se trouve qu'écouter ce genre de truc en voiture me rend plus calme et plus patient. S'il y a une file d'attente devant moi je chantonne en tapotant le rythme sur mon volant, sans m'énerver...

Par ailleurs j'ai fait une comparaison entre VOLVERÁ et le jeu de guitare de Keith Richards. Voici par exemple START ME UP qui est très illustratif de son style.

PS nº 2. Je fais un petit passage du coq à l'âne musical. Puisque je parle de l'espoir de retrouver la confiance dans le jour de demain, j'en profite pour remettre une chanson nostalgique merveilleusement interprétée par Cora Vaucaire, une chanson à texte cette fois-ci, une chanson qui parle à mon coeur.